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2009年 07月 01日
 あえて言えばサイボーグだろうか。人間としての宿命を科学（医学）によって逃れようとしたその姿勢は西欧文明的なものかもしれないが、遺伝的な外見、声の経年変化、老化、精神的な弱さ（？）などを薬品（鎮痛剤や精神安定剤など）、ホルモン剤、加圧療法などによって克服しようとした執念には恐れ入るしかない。自然から得られる食物と同じくらいに、化学的に生み出されたものによって生かされていたといえば語弊があろうか。そうした連想からニュースに接し私は、彼が死んだというよりは「壊れた」ということをまず感じたのである。 マイケルが芸能界に画期的な足跡を残したことは確かだろうが、ＩＰＳ細胞などの医学の可能性を思うと、あと５０年先に生まれてきたかったかもしれない。そうすればもっと自由に「理想の自分」を実現できただろうに。しかし彼が、サイボーグが活躍する時代を先取りした「画期的な人物」だったのは間違いないだろう。 「白鳥の翅もぐごとくキャベツもぐ」 能村 登四郎 そんなものも持ってみたかったかも・・・・
2008年 11月 06日
 ところが有名なものに『赤とんぼ（三木露風：詞）』がありますが、この「アカトンボ」のところのアクセントはちょっと違うな、と私は思っていました。つまり曲には「アカ」にアクセントがありますが、私にはそれが話される場合「アカトンボ」の「全体が平板に発音されている」のではないか、と思ったのです。しかしこれは勘違いで、作曲の山田耕筰の地元・東京では「アカ」にアクセントとをおいて喋っていた（今でもそうかは知りません）のだそうです。 つまりある詞を曲にする場合、その言葉のアクセントになるべく合わせて作曲する、というのが昔からのセオリーだったようで、その方がやっぱり詞を理解しやすいということなのでしょう。 しかしどんな世界でもいつかセオリーを破る人が出てくるようで、黛敏郎か団伊玖磨かは忘れましたが、荒井由実（現：松任谷）が登場してきたとき、彼女を評して「画期的な作曲法」であると褒めていました。彼女のあの、「わざと歌詞とメロディを反発させた」ような歌曲には、私もずいぶん驚かされたものです。そしてそれは「新鮮そのもの」に思われたと同時に、「素っ頓狂で調子っぱずれ」のようにも感じられたのです。もちろん若者の感性にはぴったりだったのでしょう、今ではそれらの曲も「クラシック」となっています。 現在の若者音楽は、もはやユーミンのようにセオリーを意識することなく、普通に「詞曲分離？」ともいうべきものになっているようです。この「詞を意識しないメロディ」というのは、私には「コクのないビール」のように思われるのです。メロディというのは、やっぱり詞の意味を表現することによって、アピールするものが含まれてくるような気がするのですが、コクよりも「キレのあるビール」の方が良いという時代ということなのでしょうか。もっともサザン・オールスターズの桑田佳祐氏の作品は、一見何を言っているのか分からないようですが、言葉とメロディの相性は抜群のように思われます。そういう人もいるので、詞にこだわりたい私としては一安心しているところです。 「冬ぬくゝ畦やはらかき故郷かな」 勝又 一透 ♪うさぎ美味しいかの山・・・
2007年 12月 19日
 方言といっても関西弁、名古屋弁、薩摩弁、土佐弁などは、本当のところは知りませんが、標準語との「違い」は最近どんどん作り出されている「新語」に対するのと似ているのではないでしょうか。つまり方言のもうひとつの要素である「訛り」があまり問題視されないように見えるのです。たとえば土佐弁で「おまん、それでええがか？」という場合、特にヒヤリングの問題はなさそうに見えます。「うざい」とか「きもい」などというのと同じで、言い回しを知っていれば理解できるという気がしますがどうでしょう。 ところが津軽弁などには、「訛り」と我らは言ってしまいますが、豊かな音韻が含まれていて、そういう音を理解する耳を持っていると、（真偽は不明ですが）外国語の学習に役立つというようなことを聞いたことがあります。余談ですが太宰治の作品に『ダス・ゲマイネ』というのがあり、（資料が見つからないので単なる記憶でしかありませんが）これはドイツ語と津軽弁（んだすげまいね）の両方を意識した題名だったと思います。とまれ訛り（おそらく土佐弁にもあるのでしょう）を理解するということは、標準語にはない音を聞き分ける、ということになるのでしょう。 「訛り」ということで私が思い出すひとりに、淡谷のり子があります。彼女は青森市の出身ですから本来訛っていて当然だったでしょう。声楽家を志して主席で音大を卒業したのですが、その後流行歌手となって「別れのブルース」をヒットさせました。そのオリジナル盤（おそらく）を聴いたとき、そこにたしかに訛りがあるのに気づかされたのです。その曲の出たのが彼女が３０歳のときですから、東京に出てきてからある程度の年月を経ているし、当然職業的にも訛りを矯正してきたはずです。それなのにどうしたことでしょう。それほど訛りとはしぶといものなのでしょうか。もちろんそれは歌唱としてまったく支障のないもので、私にはそれが却って彼女の肉声のぬくもりのように思われ、その後に吹き込まれた洗練された歌唱のものよりも好きなくらいなのです。それは、 「窓を開ければ、港が見える」という歌詞の、港の「み」が「め」に近い発音になっているのです。大げさに言えば、「めなとがみえる」と聴こえるのです。私の想像ですが、彼女はそれを知っていて、悩みそして克服して行ったのだろうということです。皮肉にも２番の歌詞に、 「やくざに強いマドロスの、お国言葉は違っていても、恋には弱いすすり泣き」 という文句があります。ここを歌うたびにそのことを考えたかもしれません。センチに過ぎるかもしれませんが、私にはそれを克服することで失ったものもあるのかなと思ったりします。もしも聴く機会があればそこを注意してみてください。この曲は何回も録音されているようで、そのたびに洗練されていき、最初のものは別人が歌っているように思われるくらい「素朴な初々しい歌唱」です。しかし彼女の場合多くの歌手とは違って、歌い慣れるにつれて「崩れて行く」ということがなかったように思います。確認しているわけではありませんが、「オリジナル盤」に近いものは最後に「船の汽笛のような音（楽器音）」が入っているようで、それが「耳印」になると思います。 ところで昨今はどの世界でも「訛り」に苦労するということが、大方なくなったのかもしれませんね。しかし「新語」よりは方言の方がなじみやすいような気がしますから、テレビなどで使われるのも悪くはないのですが、なるべく「ほんもの」を我々に聞かせて欲しいと思います。 「海に出て木枯帰るところなし」 山口 誓子 ふるさとは遠くにありて・・・
2007年 09月 21日
 世間から天才と呼ばれた人たちの中には、もしその才能が与えられなかったならば、おそらく落伍者の烙印を押される運命に陥っただろうと思われる人が時々いるものですが、たとえ充分その「天才」を発揮することが出来たのもかかわらず、なぜか破滅の道を歩んでしまう者も少数ながらおり、パーカーもそうした人だったように思われます。 さてチャーリー・パーカーといえばモダンジャズの発端となった「ビ・バップ」の創始者として名高いのですが、油井正一[著]『生きているジャズ史』によれば、それが生みだされた（あるいは生まれつつあった）頃のセッションの「音源」がひとつとして残されていないため、肝心のバップがどのようにして誕生したかは「推測」するしかないのだということです。その原因は、４２年夏頃から４４年末までの間の「音楽家組合（連盟）」とレコード会社の紛争による「吹き込み停止期間」にあるのだそうですが残念なことです。 ですからこの映画も当然その間の事情を想像するような描写はなくて、へたくそでまともに取り合ってもらえない「田舎青年」が、次のシーンでは突然「天才」となって登場しています。監督のＣ・イーストウッドはジャズ狂とのことですが、狙いはあくまで「伝記映画」であって「音楽史」ではないようです。そして配役にもそれらしい役者を使い、主演のウィティカーにカンヌで賞を取るほどの熱演をさせています。 私は最初にこれを「ミュージック・ビデオ」として見たいと思っていましたが、結構暗い場面も多く、単純に音楽だけを楽しむには向かないようで、重たい気分になってしまいました。しかしパーカーのオリジナルを復元したものを使うなど、演奏シーンは迫力があるし、楽しめますから、そこを中心に楽しむなら１５００円の投資は充分元手を回収できるでしょう。 映画は未亡人の協力も得ているというように、かなり「事実」どおりに作られているという感じがします。良くも悪くもチャーリー・パーカーが持つ「既定」のイメージを壊すものではないのでしょう。夫人役の女優ダイアン・ベノラの存在感は見ものですが、彼女をはじめ出てくる人たちのタバコの吸い方のすさまじさには度肝を抜かれます。隣にいる子役の少女が気の毒（現代のような嫌煙権時代の意見では）になりますが、時代考証的にはそうなるのでしょうね。 ところでパーカーのような人生を「追体験」することは、私のような凡人に限らず、誰にでも多少はあると思われる「危険な圧力」をガス抜きするのには良いのかも知れません。 右側の写真は本人（レコード・ジャケット）ですが、まるで天使のような明るい笑顔を見せていて、悲惨な生活を送った人のように見えないのは不思議な気がします。 「ひちりきのごとくひとすぢ秋の風」 水内 鬼灯 アルトサックスではありませんが・・・
2007年 02月 18日
 少女役のミシェル・モルガンはミステリアスな美人で、このとき１８歳だったというが画面では２０代半ば以上の雰囲気である。それでも役では１７歳というのだから、フランスでは恋に年齢制限はないのか、などとこのときの実年齢が３４歳のギャバンがうらやましくなる。一般にフランス人はあまのじゃくと私は思っているが、モルガンのような美少女が、無骨で口だけは達者な、無一文で腹を空かせた（少女と初対面のときギャバンは酒場の主人にめぐんで貰った食物を、彼女の前でがつがつ食べるのである）ハンサムでもなく、年齢も離れた男と恋に落ちるのであるから、これがフランス流のエスプリというものかと合点しても不思議はないだろう。 登場人物は多彩で、ネリーに付きまとうヤクザ者、ネリーの養父で偽善者の小間物店主、パナマ亭という掘っ立て小屋酒場の主人、ミシェルという自殺願望の画家、一晩清潔なベッドで寝ることを夢見る酔っ払いなど、変った個性を尊重するのもあちら流かと思わせる。 この映画には権力者は出てこない。出てくるのは人生に懐疑的な個人主義者ばかりだが、決して利己主義者ばかりではない。画家はジャンのために自分の身ぐるみ一式と身分証明書を残して海に消え、酒場の主人は画家の意図を知りながらも積極的には自殺を止めることをしない。他人の人生には干渉しない主義なのだろう。そしてなぜか見も知らぬジャンの苦境を助けるのである。 その一方でネリーの養父のような、会う人みんなに直感的に嫌われてしまう人物も登場する。彼は養女のネリーを恋するあまり、恋仲になりそうな青年を、嫉妬のあまりに殺してしまったらしいのである。むさ苦しい爺さんではあるが、その心情は哀れである。それにしてもこの爺さんはネリーの前で、私はなぜ嫌われるのか、愛されないのかと嘆くのであるから驚く。 フランスといえば言葉の国ということを忘れてはいけない。こんなことを云うと叱られそうだが、歴史的に色々な苦難の経験のせいで、「せめて口では負けないぞ」という意識が強かったおかげで洗練されたらしい。この映画でも、せりふ（字幕だが）が実に哲学的である。みんな勝手に難しいことを云うが、その会話はまるで噛み合っていない。それはおそらく彼らが個々人として、それぞれ独自性を持った存在だということを表しているのかもしれない。 しかしジャンは結構な人生哲学をのたまう割りには、その行動は大人のものとは云いがたい。無益な喧嘩や強がりでヤクザ者を辱めたことから、結局撃たれて命を失うことになるし、いくらネリーの養父が卑劣だといっても、激情に駆られたあげくレンガで殴り殺したりするものだろうか。結局この映画が成立するためには、血の気の多い若者というのはそれほど思慮分別のない存在なのだ、という前提がなければならないだろう。 最後になったが、車に轢かれそうになったところをジャンに助けられた「野良犬？」が可愛い。初めはジャンに付きまとって邪険にされるが、やがて相棒と認めてもらい南米へも同行するはずであった。ジャンが殺された後このワン君は、主人を待っていた船を跳びだして、ジャンと最初に会った街道へと消えていく。実は彼が一番の名優かもしれない。 とまれ私にはこの映画が「フランス情緒」の詰まった貴重な作品であることに間違いはない。それは現在のフランス人にとっては、「フジヤマ・芸者ガール」の類のフランス像なのかもしれない。何しろ「南米行きの船」にロマンを感じるなんて、現代人には想像もできないことだろう。７０年も前の話といえば歴史上のことと云ってもいいかもしれない。私の歴史も長くなった。 「濡れて来し少女が匂ふ巴里祭」 能村登四郎 季節外れですが、ネリーの霧に濡れたコートを思い出して。 ＜LE QUAI DES BRUMES 監督：Marcel Carne 出演：Jean Gabin, Michele Morgan： FRANCE,1938＞
2006年 06月 14日
 そういう色んなものを聴いていると、音楽の種類によって感じられる「心地よさ」が異なっているのを、身体的な感覚として意識することがある。たとえばモーツアルト作品のヴァイオリンやピアノによる旋律は、しばしば私の意識がふと身体の外へ脱け出るかのような感覚をもたらすことがある。だがそれは、はるか中世やあるいはレマン湖畔辺りへ飛んで行くというようなものではない。その距離はせいぜい５，６メートルから２０メートル位であって、運転中なら交差点の信号機のテッペン辺りにあるような気がする程度だ。もしその時ささやかな悩みでも抱えていたとすれば、その瞬間には悩みは完全に消えている。しかしそれは放心とは違う。なぜならそのような現象を味わっている自分自身をはっきり意識しながら、自分という実体は「空」のように感じているからである。説明が大げさになったが、音楽が私の雑念を消してしまった、ということなのかもしれない。 ジャズ（ヴォーカルは別だが）の場合はまるで違って、ピアノもサックスもベースも皆頭の中から出て行かない。ピアニストが鍵盤を叩く回数を、頭の中でじっと数えているような気がする。あるいはシンバルの規則正しい連続音に神経が益々集中していき、トランペットの登場を今か今かと待つことになる。私にはジャズはいつも頭の中の楽団によって演奏されるように感じられるのである。 フォルクローレと呼ばれる南米の民謡には思い出がある。広い南米では地域によって様々な音楽があるが、ボリビアやペルーなどのアンデス山脈に象徴されるものでは「コンドルは飛んでいく」がもっとも有名だろう。もう２０年以上も前だと思うが、ＦＭラジオで竹村淳氏がこうした音楽を良く紹介していた。私はそれを聞きながら漠然と南米大陸を想像していたものである。そのときケーナやサンポーニャといった楽器の素朴な響きは、私の心をアンデスの麓まで運んでいくかのように感じられたものだ。そうした音楽の中に「旅立ち」という曲があって、これがなぜか私の中にある風景を鮮やかにイメージさせたのである。その風景というのは、ほとんど樹木がなく赤土がむき出した丘陵地を、やっと牛車くらいしか通れそうにないでこぼこの道が一本伸びている荒野で、そこからは見えないがある貧しい村からその道を通ってひとりの若者が「旅立って」行ったのではないか、とその曲が私に想像させたのであった。 それから多分一年ほどして、私は思いがけずボリビアへ行くことになった。そして幸運にもアンデスのふところにある首都ラパスから、チチカカ（ティティカカ）湖への観光を経験できたのである。湖は標高４０００メートル、ラパスでも３８００メートルほどもある高地で、住民のインディオたちの暮らしは厳しいものと見受けられた。車に揺られながら、なんと痩せた畑でジャガイモやトマトを栽培していることだろう、と思って見ているとすぐに何もない荒野に出てしまった。すると、おやっこの風景は日本で想像していたものではないのかな、と私はすぐに気がついたのである。そこには「旅立ち」が私にイメージさせたそのままのような景色が広がっていたのだ。それは懐かしさといっていい感覚だった。すでに私の魂は一年前にここに来ていたのではなかったか、とそのときそう思ったのである。 「夏蜜柑いづこも遠く思はるゝ」 永田 耕衣
2006年 05月 23日
 あらすじは、第2次大戦中のドイツの捕虜収容所から、連合国軍兵士250人を脱出させようとする計画の顛末を描いたもので、その準備の様子からトンネルの掘削、脱走の決行と逃亡後の様々な結末までをテンポ良く見せてくれます。 この映画は実際にあったことを下敷きにしているということですが、それも脚本家がストーリーにあまり頭を使わなくて済んだというほどのことで、それによって作品にリアリティが与えられているようには思われません。それは元々この映画が娯楽作品として作られていたからであり、同時に当時のアメリカを先頭とした西側諸国を宣伝するという用途に、製作者にそういう意図があったかどうかは知りませんが、その爽快な娯楽性が大いに役立っていただろうとは想像できます。 当時のアメリカは世界のほとんどの人にとってまだ「憧れの国」でした。捕虜収容所の中にあっても独立記念日を祝ってしまうシーンは、アメリカ人の底抜けの楽天性を誇示し、ネクラな脱走作戦の指揮などはイギリス人のＲ・アッテンボローなどに任せて、マックウィーン演じるヒルツは、スーパーマンそこのけの活躍をしながら、銃殺されることもなく戦後へと生き延びただろうな、と観客に明るい予測をさせるのです。 今この作品を鑑賞して感じるのは、あの頃のアメリカはもうないのだなという思いと、これは一種の「ファンタジー映画」じゃないのかということです。脱走作戦を展開する者たちのなんと楽しそうなことでしょう。まるでピクニックか何かを計画しているようです。 もちろん戦争をモチーフとしているので、多くの死者が描かれますが、残虐なナチスに殺されるというよりは、誇りある勇者としての覚悟の死のように見えます。まるで西部劇のガンファイトでの死者くらいの重さしか感じられないのです。あるいは、その計画の成否にハラハラするところなど、トンネルを掘って金庫破りをしようとする「銀行強盗」の話のようでもあります。また脱走した兵士たちが逃避行するドイツの田舎の風景の美しさは、スイス寄りの地域という設定ですが、観光映画を見る趣もあります。 私はファンタジー映画といえば「ハリ・ポタ」くらいしか知らないのですが、魔法使いというのは元々人間の能力の及ばない「超能力」を与えられているもののことでしょう。そしてとんでもない力技も何の苦もなく軽々と成し遂げてしまうようです。ところがこの「大脱走」の登場人物たちは、一応人間の能力の範囲で可能な「ファンタジー」を演じているのです。それはまだこの頃には、人間の能力への期待あるいは信頼が、人々に残っていたのかも知れませんね。それにしてもこの映画を見て、戦争がこんなに楽しげなものなら一丁やってみてもいいか、なんて思われそうなのが心配です。 キャッチコピーは「Ｅ・バーンスタインの勇壮な音楽の中、誇り高き男たちの不屈の精神を鮮やかに描いた傑作エンターテインメント！」だって。 その他の出演者は、ジェームズ・ガーナー、ジェームズ・ドナルド、ドナルド・プレサンスなどです。 The Great Escape : 1963, Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc.
2006年 04月 02日
 朝はどこから ＜森まさる 作詞(昭和２１年）＞ 朝はどこから 来るかしら あの空越えて 雲越えて 光の国から 来るかしら いえいえ そうではありませぬ それは 希望の家庭から 朝が来る来る 朝が来る 「おはよう」「おはよう」 昼はどこから 来るかしら あの山越えて 野を越えて ねんねの里から 来るかしら いえいえ そうではありませぬ それは 働く家庭から 昼が来る来る 昼が来る 「今日は」「今日は」 夜はどこから 来るかしら あの星越えて 月越えて お伽の国から 来るかしら いえいえ そうではありませぬ それは 楽しい家庭から 夜が来る来る 夜が来る 「今晩は」「今晩は」 一読してすぐ感じるのは、敗戦後の苦しい生活にあえいでいた国民を、何とか元気付けようとする懸命な努力が明白に出ていることでしょう。啓蒙臭いところもありますが、希望の家庭はいつでも朝で、楽しい家庭は夜しかないのか、なんて揚げ足を取れるようにもなっています。「ねんねの里」ってのは良く分からないが、本当は「光の国」や「お伽の国」から朝や夜は来るのでしょうか。 小学生だったその頃を思い出すと、私が特別に弱虫だったからかもしれないが、「家族のいない生活」などといったことは想像すらできなかったことです。学校から帰って来たものの、何かの用事で母は出かけたらしく、弟や姉もまだ帰らないで家の中に入っても何の物音もせず、頭の中でシーンとでもいうような幻聴がするときなど、まるで家族に見捨てられたような孤独感と恐怖を覚えたものです。今思えば、両親の子どもたちに対する思いはそんなに単純ではなかったかもしれないが、子どもの私には、見捨てられたら死んでしまう動物の赤ん坊そのままの、親に対する執着心で一杯だったような気がする。 この歌が流れていた頃は、食べていくことに精一杯だった我が家のような家族も多かったはずだが、その家庭は見方によっては、「希望の家庭」であり「楽しい家庭」でありもちろん「働く家庭」であったといえるのではないか。そう思ってこの歌を聴いてみると、貧しかったあの頃の家庭が、今では存在しない「理想の家庭」だったようにも思えてくるのである。 「万愚節寒暖計も欺けり」 相生垣瓜人
2005年 12月 13日
 しかし今朝（１３日）の新聞によると、シドニーの渚では中東系と白系の若者がトラブル状態にあるらしい。まったく馬鹿(人類）は死んでも直らない、というべきか。 この映画の欠点も魅力も、世界の終わりがあまりに「美しく」、「そんなに悪いものでもないかも」と思わせるところにあるだろう。何しろ一人の悪人も登場しないし、銃声一発聞こえてこない「平和」な戦争映画である。人間不信に陥ったときに観たい作品という気さえする。 ところでこの映画の出来た頃には、「人類滅亡まであと何分か」を示す時計が、政治的・軍事的トピックスに絡めて語られることがよくあったが、最近は聞かないようだ。本当は核の拡散が進んでいる今の方が「危ない」と思うのだが。それにしても、ゆっくりと確実に人類を滅ぼす「温暖化の毒」とどっちが先に来るのだろうか。 「未来」とは、 －－幸福が保証される一時期。 Ａ・ビアス「悪魔の辞典」奥田俊介ほか訳より < 前のページ次のページ >
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